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9 Marzo, 2017 Diseño, Tendencias digitales

Tendencias de diseño a lo largo de las décadas

Si algo es recurrente en el mundo del arte y la creatividad, es que todo vuelve. A lo largo de la historia hemos comprobado como las modas son cíclicas y, como hemos podido ir afirmando en entradas anteriores (enlazar a posts) sobre las tendencias anuales en diseño, lo que se llevaba hace veinte años puede que esté a la vanguardia hoy en día. El mundo del diseño no se escapa, así que, para entender bien nuestros referentes, y poder comprobar qué elementos de aquél entonces vuelven a estar presentes en nuestro día a día, hemos resumido brevemente aquellos rasgos que definieron el universo del diseño en cada década.

1. Aquellos maravillosos años 70

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Durante la década de los setenta nos encontramos dos movimientos sociales que compartían el hilo conductor de ser revolucionarios, y que influyeron de manera directa en el arte y el diseño; los hippies, y el punk.

Por un lado, en Estados Unidos aparece todo el movimiento pacifista flower-power (“haz el amor, no la guerra”) en alzamiento contra la guerra de Vietnam. Empiezan a expresarse con mucho colorido, estampados geométricos y repetitivos, con colores llamativos y cercanos a la naturaleza y, puesto que el diseño refleja los ideales del momento, efectivamente adoptó estos elementos en su forma. Hablamos del kitsch (estilo artístico fundamentado por el gusto de lo excesivo, lo hortera, casi chabacano), la psicodelia (estilo contracultural basado en intentar expresar el mundo interior, el subconsciente, con figuras abstractas, influenciadas por el consumo de alucinógenos como el LSD), el pop-art (movimiento artístico que pretende reapropiarse o descontextualizar la cultura popular y convertirla en arte) y una vuelta al art déco de principios de siglo.

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Riu-Kiu-C‘, Victor Vasarely (1960)

Todos estos elementos se reflejaban en diseños muy coloridos, con gusto por las tipografías display exultantes y con mucho peso visual, predominio de la forma por encima de la función, y pasión por la geometría (sobre todo elipses) y los patterns. Artistas como Alberto Biasi o Victor Vasarely empezaron a jugar con la repetición de patterns o figuras geométricas, creando ilusiones ópticas con las cuales captar la atención del espectador. Esto es lo que se conoce como optical art.

El contrapunto lo puso la aparición del punk. Originalmente un estilo de música que nació como crítica a la situación política, a una sociedad demasiado comercializada, y con un sentimiento de rebelión y de no sentirse parte del status-quo. Esto se reflejó en su manera de expresarse visualmente, y derivadamente, en el mundo del diseño. Recursos do-it-yourself como el collage, uso de colores llamativos pero simples, pensados para poder reproducir diseños de manera barata (por ejemplo repartiendo flyers, o chapas promocionales), radicalización y rebelión de lo considerado “diseño formal”,… Se junta la cultura popular alternativa, junto a la youth culture (o cómo se denomina a la manera de pensar, sentir y vivir de los adolescentes) de la época, y esto desemboca en arte callejero, revistas para adolescentes, efímera (pósters y carteles) y, especialmente, carátulas de álbumes, destacando a grandes artistas como Jamie Reid o Barney Bubbles.

 

2. Será como aquella canción de los años 80

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Pasamos a la década del posmodernismo, de la experimentación, de las ombreras y el exceso de laca en los cardados. El sentimiento outsider nacido en la década anterior se acentúa, junto a la rebelión contra lo formal y el querer destacar, el mostrar tu propia individualidad.

Si algo influyó sobremanera en los ochenta, fue la revolución digital. Aparecen los ordenadores personales, la figura del businessman, Apple lanza el Apple Lisa, el primer ordenador con GUI (interfaz gráfica de usuario), el entorno visual que nos permite interactuar con un ordenador sin que todo sea una sucesión de 0 y 1 –que el ordenador tenga un escritorio, un cursor, que funcione por programas, etc-.

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Cartel anunciando el cable “Videokey”,  para conectar una consola Atari a la televisión. (Fuente: http://80s-touch.tumblr.com/)

Y parecerá que esto no tiene nada que ver con las tendencias de diseño de la época, pero lo tiene todo. No sólo influyó en contenido, sino en la forma. La aparición de los ordenadores personales, y de los primeros software de diseño (por ejemplo, Adobe Page Maker – el abuelo del Word), supuso una gran ventana a nuevas técnicas experimentales por lo mucho que facilitó el proceso. Imágenes manipuladas, en “3D”, nuevas formas de composición, colores RGB,… era el momento de arriesgarse y experimentar. Es por ello que esta ola artística se pasaría a llamar “new wave” (nueva ola).

Era una época de diseños chillones, casi histriónicos, donde lo importante era llamar la atención. Formas geométricas, colores RGB y neones, tipografía experimental,… fue una época donde se saltaron los límites de lo que se conocía como correcto. Como ya ocurrió en los setenta, la forma se comió a la función. Como bien dijo Ettore Sottsass;

“Cuando era joven, sólo oía hablar
de funcionalidad,funcionalidad, funcionalidad. No es suficiente.
El diseño debe ser sensual y fascinante.”

Sottsass fue el creador de un movimiento artístico en Italia, que se expandió por el mundo pero a su vez fue muy criticado, y que hoy en día vuelve a ser tendencia; hablamos de la escuela Memphis. Colores chillones y contrastados, formas geométricas excesivas, y patterns gráficos como el bacteria o el sprinkle, ¡ya hablamos de ello en las tendencias de 2016!

Otro gran influyente de la década fue la aparición de los videojuegos y el arcade. Durante los setenta se vivió una gran crisis en la industria de los videojuegos, que remontó gracias a la aparición del juego Space Invaders en 1978 y, durante los ochenta, la llegada del gigante japonés Sega, o juegos como Pac-Man, Super Mario o Tron. La estética futurista y digital de los mismos, traspasó las pantallas hasta la imaginería del diseño. Surgieron estéticas que bebieron directamente de estos paisajes visuales; el neon noir ( combinaciones de paisajes oscuros con fuentes tipográficas script de colores intensos –verdes, rosas y azules neones- para llamar la atención del espectador. Imágenes de palmeras o atardeceres), o el cyberpunk (gráficos puntiagudos, usos de retículas, colores oscuros y neones, imágenes paranoicas o psicodélicas que representaban una visión de esta nueva vida digital).

 

3. Los noventa y la generación X

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Los años noventa fueron un año de transición, un tótum revolutum de elementos que representaron de manera gráfica el paso completo a la era digital. A principios de década, los ochenta seguían dando sus últimos coletazos, con elementos muy coloridos, una gran influencia del Memphis e incluso una leve vuelta al hippy setentero.

Pero la revolución digital seguía sin frenos, y si algo marcó esta época fue la llegada al acceso público a Internet. La aparición del www supuso la creación de una nueva plataforma, un nuevo modelo de comunicación a explorar y, sobre todo, un nuevo soporte de venta. Esto obligó a buscar nuevas formas de diseñar y comunicar, la aparición del diseño web primigenio que recordamos con tanta nostalgia, con sus imperfecciones, sus glitch y esa imagen tan industrial.

Portada de la revista ‘Ray Gun’, dirigida por David Carson.

De repente estábamos todos más conectados que nunca, a nivel mundial, para bien o para mal. Y esto marcó, especialmente, a toda la generación de adolescentes del momento – la generación X. Ahora tenían acceso a los mismos referentes culturales a nivel global, y se convirtieron en una pieza clave en el mundo del diseño, al convertirse en el principal target de consumo. Había que impresionarles, y había que utilizar sus códigos visuales para ello; el canal de música Mtv, el mundo del skate y el hip-hop, series americanas como ‘Sensación de vivir’, el boom del videoclip como medio, el uso de ilustraciones “imperfectas”, … e incluso la corriente contraria a esta globalización y al consumismo, con el grunge como estilo musical (y visual) por cabeza.

A nivel tipográfico, destacó el uso de las llamadas tipografías deconstructivas. El diseñador David Carson fue uno de los principales impulsores de este estilo, que consistía en romper con la linealidad y formalidad del uso del texto; la tipografía empieza a saltarse los márgenes, invade fotografías, se mezclan diferentes tipos, desproporciones en tamaño e interletraje, bloques de texto inclinados, uso de signos de puntuación como recursos gráficos,… no hay límites. Destaca, también, el gusto por tipografías handwritten o que imiten a una máquina de escribir, y tipografías “futuristas” o industriales, con un aspecto casi alienígena, como la Arcadia o la Template Gothic.

Los noventa fueron la década donde los grandes estudios como Pentagram se convirtieron en referentes del diseño a nivel mundial, y donde empezaron a editarse revistas, como la Ray Gun, creada por el antes mencionado David Carson, Colors, i-D, Wired o Fuse, el espacio perfecto para experimentar con el diseño y convertirse en referentes.

No podemos olvidarnos del boom que supuso el año 1992 para el diseño nacional; fue el año en el que se celebraron los Juegos Olímpicos en Barcelona, y la Exposición Universal en Sevilla, eventos que fueron un revulsivo, obligando a España a renovar su imagen. Diseñadores y artistas como Mariscal, Enric Satué, Juan Gati o Pati Núñez fueron los principales cabecillas en, no solo actualizar, si no volver a convertir a España en un referente al que considerar en el mundo del diseño.

 

4. Presente y futuro; los 2000

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Captura de cómo lucía la web de Apple en 2004.

Y con esto llegamos a esta última década, completa y totalmente influenciada por las tecnologías. Una década donde el progreso tecnológico ha sido, sin lugar a duda, la principal influencia. Esto ha llevado a la aparición de nuevos formatos y, por tanto, la creación de nuevas necesidades a las que el diseño se ha tenido que ir adaptando, como son la aparición de múltiples soportes desde los que acceder a la web (sobremesa, portátil, teléfono móvil,…), o la creación de las redes sociales. Por descontado que, capitaneando el barco, estuvo Steve Jobs con Apple, priorizando la importancia del diseño en sus sistemas, y marcando gran tendencia mediante su look & feel minimalista, elegante, y a su vez futurista.

Los dosmiles se han caracterizado, por tanto, por una explosión total, en el que el usuario tiene tantos estímulos que el diseño ha de buscar, más que nunca, cómo llamar y captar, una atención cada vez más corta y selectiva, puesto que al tener tanto donde elegir, es el usuario el que decide a qué contenido acceder.

El acceso libre a la gran magnitud de tecnologías también ha supuesto, para bien y para mal, una democratización del diseño; cualquiera con acceso y nociones puede diseñar, mejor o peor. Esto ha permitido que elementos como el arte urbano, la propaganda libre, o el formato de las redes sociales, sean grandes influyentes en el diseño.

A nivel estético, vemos como el exceso y la experimentación de primeros de década va dando paso a un diseño mucho más minimalista y relajado. Pasamos de explorar todas las posibilidades que programas como Photoshop o Illustrator nos dan, con diseños recargados, uso abundante de filtros como el relieve y biselado, botones glossy, cursores con efectos y animaciones flash, a un diseño más relajado cuanto más nos acercamos a la actualidad.

En mitad de esta transición reaparece el gusto por lo retro-vintage, lo artesanal y lo DIY, quizás en compensación al exceso tecnológico. Se rescata la estética de barbería americana, el look & feeldandy” o “hipster”, caracterizado principalmente por la pasión por el lettering, apoyado por una también democratización de las tipografías. Al quedar libre el acceso a herramientas de diseño, por un lado la creación de tipos crece exponencialmente, y por otro, gracias a Internet, ya no sólo se depende una selección concreta de tipografías con las que trabajar, si no que las posibilidades se convierten casi en infinitas.

 

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